L’incontro del book club di neu [nòi] dedicato a questo libro è stato uno di quelli in cui la discussione prende vita propria. Si parte dal testo, si arriva alla Palestina, poi all’Orto Botanico di Palermo, poi allo Spasimo, poi a Milano e ai suoi alberi di marketing, poi alla piramide di Maslow. Caridi avrebbe probabilmente sorriso.

Un libro piccolo e densissimo

La prima cosa che emerge dal confronto è la questione della forma. Il gelso di Gerusalemme è un saggio di circa 130 pagine con uno stile che qualcuno ha definito anaforico — una ripetizione deliberata di parole-chiave, in particolare la parola “albero”, che attraversa il testo come un ritornello poetico. Una scelta stilistica che ha diviso: chi la trova musicale e coerente con l’intenzione dell’autrice, chi invece l’ha vissuta come un ostacolo alla lettura, quasi un eccesso che rischia di smorzare i contenuti.

Perché di contenuti ce ne sono moltissimi. Il libro è denso di dati, citazioni, rimandi bibliografici, episodi storici documentati. È, come è stato detto, “una lettura non per tutte e tutti”, nel senso che Caridi dà per scontate conoscenze di geopolitica che non tutti hanno. Non è un libro che ti accompagna, è uno che ti sfida.

La storia raccontata dagli alberi (ma davvero?)

Il cuore del progetto di Caridi è ambizioso: spostare il punto di osservazione della storia dal soggetto umano alla natura, e in particolare agli alberi. La dichiarazione d’intenti è esplicita sin dall’inizio del testo. Eppure proprio su questo punto il gruppo si è spaccato.

C’è chi ha apprezzato profondamente l’idea, trovandola coerente con una sensibilità ecologica più ampia: la natura non ha bisogno dell’uomo per sopravvivere, è l’uomo che dipende da lei, e riconoscerlo significa smantellare secoli di pensiero umano-centrico. Chi invece ha sollevato un’obiezione radicale: lo sguardo degli alberi, nel libro, non c’è davvero. Caridi resta uno sguardo umano sugli alberi, non riesce — e forse non lo pretende — a diventare l’albero. Il punto di vista rimane quello di una giornalista e storica che osserva, non quello della natura che narra.

Collegata a questo, una critica lessicale su cui ci si è soffermati: il termine “non umano”, usato dall’autrice per riferirsi al mondo naturale, ha lasciato perplessa parte del gruppo. Definire piante, animali, minerali in negativo — come ciò che non è umano — sembra contraddire proprio la prospettiva che il libro vuole promuovere. Come se per avere dignità bisognasse essere umani, o almeno misurarsi rispetto all’umano. “Sono esseri viventi,” è stato detto con chiarezza, “e questo rappresenta  già la loro dignità.”

Gli alberi come strumento politico: storia vecchia o prospettiva nuova?

Uno dei punti di maggiore tensione nella discussione ha riguardato la pretesa di originalità del libro. Il fatto che gli alberi vengano usati per governare il territorio, segnare i confini, controllare le popolazioni non è una scoperta del XXI secolo. È la storia dell’agricoltura, del feudalesimo, della colonizzazione. Chi ha studiato storia dell’arte o urbanistica ha riconosciuto in questi meccanismi qualcosa di noto, quasi codificato da secoli. La campagna, le coltivazioni, il paesaggio come strumento di potere: è, in fondo, ciò che rappresenta il Buon Governo di Lorenzetti, è la logica del latifondo siciliano, è la storia dell’umanità.

Eppure questo non toglie valore al libro, anzi: ciò che Caridi fa non è scoprire il meccanismo, ma renderlo visibile attraverso episodi specifici e contemporanei. Per chi già conosce il quadro generale, la lettura può risultare meno sorprendente; per chi non ha questa formazione, ogni capitolo può aprire una finestra nuova. E anche per chi sa, ci sono casi particolari — come l’abbattimento sistematico dei gelsi in Palestina qualestrategia israeliana di sradicamento identitario — che colpiscono con tutta la loro brutalità concreta.

Caridi, il colonialismo e la parola “Medio Oriente”

Il libro nasce anche da una riflessione sul linguaggio. Caridi — che ha vissuto dieci anni a Gerusalemme come giornalista e corrispondente, e che gestisce il blog Arabi Invisibili dedicato a voci spesso ignorate del mondo arabo — non si limita a raccontare: mette in discussione le categorie con cui noi occidentali pensiamo quei territori.

La parola “Medio Oriente” è uno degli esempi portati all’incontro: un termine che sembra neutro e geografico, ma che in realtà è relazionale e posizionato. Medio Oriente rispetto a cosa? Rispetto a chi si sente al centro. È un residuo del colonialismo ideologico: il colonialismo degli eserciti è finito, ma quello delle categorie mentali, delle definizioni, delle gerarchie implicite nelle parole — quello è ancora in campo. E Caridi lo sa, e ci lavora.

La sua posizione politica è esplicita fin dalle prime pagine, e questo non è stato un problema per il gruppo: è dalla parte dei vinti, dei cacciati, di chi ha perso la terra e con essa i propri alberi. Una posizione che non si maschera, e che anzi dà al libro la sua forza morale.

Il sicomoro, l’ombra e la comunità

Tra gli alberi del libro, il sicomoro occupa un posto particolare. È l’albero-ombra, l’albero-piazza, quello sotto cui le persone si fermano, si incontrano, cercano ristoro. Caridi lo usa come simbolo di ciò che è stato distrutto: non solo una specie vegetale, ma un luogo di aggregazione comunitaria, un centro fisico attorno a cui una collettività si riconosceva. Abbattere i sicomori in alcuni territori della Palestina non è stato un atto botanico, ma politico nel senso più proprio della parola.

Questo tema ha risuonato molto nel gruppo, anche in connessione con storie palermitane. L’albero del Paradiso dello Spasimo — tagliato qualche anno fa con una perizia tecnica contestata, nonostante il tronco, a taglio avvenuto, si rivelasse intatto — è tornato alla memoria come esempio di come anche in contesti non bellici si prendano decisioni politiche mascherate da necessità tecnica. La scelta più facile, la meno costosa, quella che evita responsabilità: tagliare. Senza chiedersi se quell’albero si poteva salvare, senza considerare il suo valore come essere vivente e come identità di un luogo.

La città come coreografia verde, il verde come comunicazione di marketing, l’albero come arredo urbano: è la direzione in cui stiamo andando, è stato osservato. Un rapporto con la natura sempre più mediato, sempre più estetico, sempre meno fisico e culturale.

Siamo troppi, o siamo nel posto sbagliato?

La discussione ha preso una deriva più ampia, e necessaria. Il libro di Caridi racconta prevalentemente un mondo contadino, un sistema di relazioni tra uomo e natura che presuppone la vicinanza fisica alla terra. Ma noi viviamo in città. Sempre di più, in tutto il mondo, le persone si spostano verso le metropoli — e i dati sugli indici di sviluppo umano dicono che questa scelta migliora le condizioni di vita più di quanto faccia il ritorno alla campagna romantico e idealizzato.

Qui si è aperta una tensione autentica. Da un lato, c’è chi crede che il cambiamento parta dall’individuo: imparare a leggere le etichette, scegliere il mercato di stagione, piantare qualcosa, sintonizzarsi con le frequenze della natura. Dall’altro, chi sostiene che il sistema produttivo, l’agricoltura intensiva, il cibo che ammuffisce nei magazzini mentre miliardi di persone lavorano per uno stipendio — questi non sono problemi risolvibili dal basso. Ci vogliono politiche, regole, cambiamenti strutturali. L’Agenda 2030, i regolamenti europei sugli allevamenti, i finanziamenti alla forestazione urbana: strumenti reali, anche se lenti, anche se insufficienti.

E poi c’è la domanda che nessuno ha risolto, ma che è rimasta nell’aria: se anche tutti i singoli facessero la cosa giusta, basterebbe? O stiamo delegando all’etica individuale ciò che solo la politica economica può affrontare?

La natura che ci usa (e noi che non lo sappiamo)

Un rovesciamento finale, proposto quasi come provocazione: e se fosse la natura a usare noi, e non viceversa? Il grano non avrebbe mai raggiunto la sua diffusione globale senza l’agricoltura umana. L’arancio di Jaffa non sarebbe diventato simbolo di un territorio senza secoli di coltivazione intenzionale. Gli alberi da frutto, le piante alimentari, le specie coltivate: da un certo punto di vista darwiniano, si sono servite dell’intelligenza umana per diffondersi in modo che nessuna specie spontanea avrebbe potuto fare.

È una visione cinica, è stato riconosciuto, ma non per questo meno vera. E mette in crisi tanto l’antropocentrismo classico quanto l’idea romantica di una natura pura che l’uomo ha corrotto. Il rapporto è sadomasochistico, forse, ma è anche una partnership millenaria. Stefano Mancuso — botanico tra i più noti nel panorama italiano, citato da Caridi tra le letture consigliate — ha dedicato anni a raccontare questa intelligenza vegetale spietata ed efficacissima, e il libro di Caridi in qualche modo dialoga con quella tradizione, pur senza farne il centro.

Opere e autori citati

Libri:

Paola Caridi, Arabi Invisibili (Feltrinelli, 2007) — il blog e il progetto giornalistico da cui viene l’autrice del libro discusso

Stefano Mancuso, L’incredibile viaggio delle piante (Laterza, 2018) — citato come lettura consigliata da Caridi e come riferimento per chi si occupa di botanica e intelligenza vegetale

Stefano Mancuso, La nazione delle piante (Laterza, 2019) — menzionato come approfondimento sul tema della sensibilità e intelligenza vegetale

Figure e luoghi:

Giuseppe Barbera, agronomo e accademico palermitano, esperto di paesaggio agrario siciliano e olivicoltura mediterranea

Lo Spasimo (Santa Maria dello Spasimo), complesso monumentale nel quartiere Kalsa di Palermo, luogo di eventi culturali e spazio identitario della città

Il castagno dei cento cavalli sull’Etna, uno dei castagni più antichi e grandi al mondo, situato a Sant’Alfio (CT), testimone secolare della storia siciliana

L’albero di Falcone, Ficus macrocarpa di fronte all’abitazione di Giovanni Falcone in via Notarbartolo a Palermo, diventato memoriale spontaneo e simbolo nazionale dell’antimafia

Extraordinary Attorney Woo (L’avvocata Woo), serie televisiva coreana (2022), citata per un episodio dedicato alla difesa di un bagolare secolare minacciato da un progetto autostradale

Note del modello di redazione

Questo report è stato generato da un modello di intelligenza artificiale a partire da una trascrizione automatica dell’incontro del book club registrato. L’audio è stato trascritto automaticamente, e successivamente il report è stato generato utilizzando i dati della trascrizione. Il report è stato in seguito condiviso, per la revisione finale, con le persone presenti all’incontro e poi pubblicato sul blog dell’associazione neu [nòi] – spazio al lavoro.

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Il 6 febbraio scorso, lo spazio di neu [nòi] a Palermo ha ospitato un confronto intenso e partecipato su Lessico Famigliare di Natalia Ginzburg. L’incontro non è stato una semplice analisi letteraria, ma un’indagine collettiva sulla capacità della parola di farsi architettura del ricordo e ponte verso il futuro. In questo report esploreremo i punti salienti del dibattito: dalla memoria storica di un’Italia ferita alle riflessioni critiche sulla crisi cognitiva della “generazione iPad”, riscoprendo nel ritmo della Ginzburg una necessaria palestra del pensiero.

Chi è Natalia Ginzburg?

La figura di Natalia Ginzburg emerge come un pilastro fondamentale non solo della letteratura, ma dell’intera filiera culturale del dopoguerra. Per la nostra community di neu [nòi], il legame è anzitutto geografico: Natalia nacque “accidentalmente” a Palermo nel 1916, durante una delle docenze universitarie del padre, Giuseppe Levi. Proprio in via Libertà 161, una targa in ceramica apposta nel 2016 ricorda quei natali siciliani, citando un estratto dell’opera che lega per un istante l’isola alla parabola di questa famiglia torinese.

Cresciuta in un ambiente intellettualmente riccoma austero, Natalia Levi scelse di mantenere il cognome del primo marito, Leone Ginzburg — intellettuale e martire della Resistenza — imponendosi come mente critica finissima all’interno della casa editrice Einaudi. In un panorama culturale dominato da figure maschili, la sua capacità di dialogare alla pari con giganti come Cesare Pavese, Italo Calvino e Bruno Munari testimonia una personalità dirompente, capace di trasformare il mestiere editoriale in una vera missione civile.

Il Lessico come Dimora: La Meccanica della Memoria

Il motore del racconto è il “lessico”: un codice segreto fatto di espressioni, storpiature e citazioni che agiscono come vere e proprie “madeleine proustiane”. Durante l’incontro è stato sottolineato come frasi apparentemente banali — come “non siamo venuti a Bergamo per fare campagna” o “de cosa spussa l’acido sulfidrico” — abbiano il potere di ricostruire istantaneamente il legame familiare, annullando il tempo.

Ginzburg opera con un “cesello stilistico” che rifugge l’aulicità tipica dei libri di memorie. Non c’è l’ambizione di costruire un monumento a se stessa; al contrario, Natalia si nasconde per lasciare spazio al peso specifico della parola reale. Come emerso dal dibattito, il suo non è un flusso di coscienza, ma una selezione misurata dove ogni termine è un mattone identitario posto a difesa contro l’oblio e le dispersioni della Storia.

La Grande Storia nel Particolare Quotidiano

Il testo si inserisce nel solco della letteratura dell’impegno, ma lo fa con una “prosa asciutta e antilirica” che ne amplifica la potenza. La famiglia Levi attraversa il fascismo e la guerra senza mai isolarsi, vivendo i grandi eventi attraverso la percezione delle piccole cose: l’odore di un brasato, il freddo dei pavimenti, la voce tonante del padre.

Uno dei punti di maggior interesse emersi durante il book club è stata l’analisi della “scrittura fredda” della Ginzburg. Eventi devastanti, come il suicidio di Cesare Pavese o la morte di Leone Ginzburg, vengono liquidati con una rapidità descrittiva che riflette la tragica normalità di un’epoca in cui “la gente scompariva così”. Questa rinuncia al sentimentalismo e alla sovrastruttura morale restituisce al lettore l’impatto crudo della realtà, rendendo il silenzio dell’autrice più eloquente di mille lamenti.

Ritratti di Famiglia: La Dialettica tra il Monolite e la “Bolla di Fantasia”

Il cuore della discussione si è concentrato sul contrasto profondo tra le due figure centrali della narrazione, che incarnano due modi opposti (e complementari) di abitare la realtà:

• Il Padre (Beppino): È emerso come un “monolite” impositivo, creatore di un gergo burbero fatto di “negriture” e “sbrodeghezzi”. Beppino incarna un’educazione rigida e muscolare, scandita da “ascensioni” in montagna e docce fredde. È l’uomo che utilizza la madre come “media” per comunicare con i figli che ama profondamente, ma che non sa nemmeno chiamare per nome.
• La Madre (Lidia): Su di lei il dibattito si è fatto acceso, trasformandosi in un vero e proprio “dissing” tra le partecipanti. Se per alcuni Lidia rappresenta l’aria, la gioia e la leggerezza necessaria a bilanciare la durezza paterna, per altri la sua figura nasconde una “violenza invisibile”. Come evidenziato durante l’incontro, Lidia sembra vivere in una “bolla di fantasia”, un’allegria quasi delirante che, di fatto, avallava il dispotismo del marito e finiva per non offrire ai figli gli strumenti emotivi necessari a metabolizzare i lutti e le tragedie del tempo.

Dal Lessico alla Scuola: La Crisi dell’Alfabetizzazione Contemporanea

La riflessione sulla Ginzburg ha inevitabilmente aperto un varco sulla crisi educativa odierna. Il contrasto tra l’ambiente culturalmente “verborroico” dei Levi e la realtà scolastica attuale è apparso drammatico. Durante il dibattito, i docenti presenti hanno denunciato una vera e propria “lobotomizzazione” di massa, individuando diversi fattori critici:

• L’impatto dei device: L’integrazione precoce di tablet e iPad è vista come un ostacolo alla concentrazione e alla plasticità del pensiero.
• L’Intelligenza Artificiale come scorciatoia: Si è discusso di come l’uso acritico dell’IA stia annientando l’inventiva. Gli studenti spesso non affrontano più lo sforzo del “testo pieno”, cercando riassunti che atrofizzano la capacità di analisi critica. Non è mancato comunque anche il punto di vista opposto, che vede invece nelle AI un’opportunità di crescita e apprendimento.
• La “Gamification” e i “libri della Pimpa”: Una critica feroce è stata mossa ai testi scolastici attuali, ridotti a “sezioni enigmistiche” dove mancano le basi del ragionamento logico (soggetto, predicato, complemento). È stata citata la provocazione di una docente che li ha paragonati a libricini simili a quelli della “Pimpa”.
• Perdita dell’ABC: È emersa una fragilità grammaticale definita a tratti imbarazzante. La mancanza di lettura profonda impedisce lo sviluppo di quel senso critico fondamentale per “leggere la realtà” prima ancora di scriverla.

La Poetica del Fanciullino e la Misura del Ritmo

Stilisticamente, l’opera compie un “cesello” che richiama la poetica del fanciullino di Pascoli per l’estrema attenzione alle piccole cose, pur mantenendo una struttura molto più aperta e fruibile. Natalia si pone come una “narratrice onnisciente ma spettatrice”: non giudica e non spiega, ma scandisce un ritmo attraverso una punteggiatura precisa che segue il battito del tempo familiare.

È una prosa che richiede al lettore di essere attivamente presente e di colmare i vuoti con la propria riflessione. In questo senso, l’opera agisce come una vera cura contro il piattume dei linguaggi semplificati contemporanei, imponendo una lentezza e una profondità di sguardo che sembrano smarrite nella comunicazione moderna.

Autori e Opere Citati

Durante l’incontro, la cornice critica è stata arricchita da numerosi riferimenti:

• Marcel Proust (  Alla ricerca del tempo perduto  ):  Il modello imprescindibile per la meccanica del tempo ritrovato.
• Cesare Pavese e Italo Calvino:  Compagni di strada nel progetto Einaudi, citati per la loro influenza sul panorama culturale del tempo.
• Alessandro Manzoni:  Evocato attraverso la figura dell’Azzecca-garbugli per criticare i linguaggi specialistici usati come strumento di esclusione e confusione.
• Giovanni Pascoli:  Per la sensibilità verso il dettaglio e lo stupore dell’infanzia.
• Umberto Eco vs. Fabio Volo:  Il dibattito sulla costruzione del canone letterario e sulla differenza tra letteratura di qualità e narrativa di consumo.
• Zero Calcare, Harry Potter e Luigi Garlando:  Citati come esempi di resistenza della narrativa (o del fumetto) che riescono ancora a intercettare il sacro fuoco della lettura nei giovani.

Conclusioni

Lessico Famigliare rimane un’opera universale perché insegna che la nostra identità è indissolubilmente legata alle parole che scegliamo di abitare. In un presente dominato da scorciatoie digitali e impoverimento linguistico, il libro della Ginzburg si pone come una vera “palestra del pensiero”, un invito a ritrovare lo sforzo della lettura e la dignità della parola precisa.

L’incontro ci ha lasciato con una consapevolezza rinnovata: non siamo venuti al mondo “per fare campagna”, ma per costruire un lessico che ci permetta, oggi più che mai, di riconoscerci umani.

Note del modello di redazione

Questo report è stato generato da un modello di intelligenza artificiale a partire da una trascrizione automatica dell’incontro del book club registrato. L’audio è stato trascritto automaticamente, e successivamente il report è stato generato utilizzando i dati della trascrizione. Il report è stato in seguito condiviso, per la revisione finale, con le persone presenti all’incontro e poi pubblicato sul blog dell’associazione neu [nòi] – spazio al lavoro.

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Donne meravigliose e (forse) madri di merda

Al centro di tutto, ci sono loro: le donne. Figure potentissime, moderne incarnazioni di Medea e Anna Karenina, estirpate dalla propria terra, tradite, ma capaci di una resilienza quasi sovrumana. Dalla sognatrice Stasia alla lucidissima Christine, sfregiata dall’acido ma mai spezzata, fino alla rockstar Kitty, ogni donna è un universo di forza e contraddizioni. Eppure, proprio da questa forza è nata una delle riflessioni più taglienti della serata: “Sono tutte delle madri di merda“. Un’affermazione forte, che ha acceso il dibattito. Madri assorbite dal proprio dramma, incapaci di proteggere davvero i propri figli, che finiscono per “trasmettere questo trauma di generazione in generazione”. Figure eroiche nella loro resistenza alla Storia, ma forse fallimentari nel ruolo più intimo e privato.

Uomini di potere e uomini di fede (cieca)

A fare da contraltare a queste figure femminili complesse, ci sono uomini mossi da logiche distruttive. Da un lato, il potere assoluto e spietato del “Piccolo Grande Uomo”, figura storica che irrompe nelle loro vite con violenza, incarnando la brutalità del regime. Dall’altro, il dramma più intimo e familiare di Kostya. Non un uomo di potere, ma un uomo di fede cieca nell’ideologia. Descritto come un personaggio “orribile” e “odioso”, ma allo stesso tempo “meraviglioso” nella sua coerenza monolitica, Kostya rappresenta la tragedia di chi sacrifica la famiglia sull’altare del Partito, scegliendo un’astrazione al posto degli affetti e diventando, nel suo piccolo, un ingranaggio di quel sistema oppressivo.

L’arte come rifugio (e come prigione)

“Ma se Stasia avesse potuto ballare, cosa sarebbe successo a questa famiglia?” Questa domanda, emersa durante l’incontro, racchiude un tema fondamentale del libro: l’arte come motore, rifugio e, talvolta, ossessione. Per i personaggi de “L’ottava vita”, l’arte non è un semplice passatempo, ma un’ancora di salvezza. È la passione per la danza di Stasia, il cinema per Mika, la musica che permette a Kitty di fuggire, gli angeli di legno che Andro scolpisce senza sosta. L’arte è il luogo dove la loro identità potrebbe fiorire, ma finisce per essere un’altra vittima della Storia: sogni infranti, talenti repressi, passioni che diventano prigioni. È una potenziale via di fuga costantemente sbarrata, che rende il dramma ancora più tangibile.

Il dramma come epopea: tra Don Chisciotte e vittimismo

La domanda che ha attraversato come un filo rosso tutta la discussione è stata: “Ma perché raccontare solo il dramma?”. La risposta non è univoca. Da un lato, c’è una chiave di lettura epica: come nell’Orlando Furioso o nel Don Chisciotte, qui il fascino non sta nel raggiungimento di uno scopo, ma nel viaggio stesso. “Sai che fallirai, ma almeno arriviamoci con stile“. È l’epopea di vite destinate al fallimento, dove la bellezza sta nel come si affronta il destino. Dall’altro lato, però, emerge il rischio che questa narrazione incessante del dolore alimenti una “cultura del vittimismo”, un’idea che ha risuonato forte nel parallelo con “il vittimismo dei siciliani che, perché c’è la mafia, si sentono i disgraziati d’Italia“. Un racconto che, pur denunciando la Storia, rischia di condizionare le generazioni future a un’inevitabile infelicità.

Il peso delle generazioni: una maledizione si eredita?

Questa riflessione ha naturalmente portato il dibattito su un piano più profondo, quello della psicogenealogia e delle costellazioni familiari. Gli errori dei padri (e delle madri) ricadono sui figli? Siamo condannati a ripetere i traumi dei nostri avi? Le opinioni si sono divise. C’è chi crede fermamente nell’influenza del passato, nel “bagaglio che ti porti dietro e che se non rompi con la psicoterapia è difficile che non lo trasmetti”. E c’è chi rifiuta questo determinismo, sostenendo che “dipende più da noi che dal retaggio che abbiamo”. Il libro, con la sua saga di destini che si ripetono, sembra sposare la prima tesi, ponendoci di fronte alla questione universale del nostro legame con chi ci ha preceduto.

L’ottava vita, per ricominciare?

E poi c’è Brilka. La destinataria di questo lungo, torrenziale racconto. L’ottava vita. La bambina che, con le sue ossessioni e la sua fragilità, sembra essere l’unica immune alla maledizione. Rifiuta la cioccolata non per un atto di volontà, ma perché “è marrone, e io non mangio le cose marroni“. In quella che sembra una malattia, forse, si nasconde la sua salvezza. Con lei, simboleggiata dal numero 8 che è anche il segno dell’infinito, si apre la possibilità di un nuovo inizio, la speranza che questa famiglia possa finalmente rompere il cerchio e trovare la sua redenzione.

Riferimenti e suggestioni emerse dalla discussione:

• Cent’anni di solitudine di Gabriel García Márquez e La casa degli spiriti di Isabel Allende, per il realismo magico e la potenza delle saghe familiari.
• I poemi cavallereschi come L’Orlando Furioso di Ludovico Ariosto e il Don Chisciotte della Mancia di Miguel de Cervantes, come modello di narrazione in cui il viaggio e il fallimento sono più importanti della meta.
• I grandi romanzi russi, in particolare Anna Karenina di Lev Tolstoj e I fratelli Karamazov di Fëdor Dostoevskij, per l’intensità tragica dei personaggi.
• La figura mitologica di Medea e le tragedie greche, come archetipo della donna tradita e della maledizione che si abbatte su intere dinastie.
• Le altre opere dell’autrice, Nino Haratishvili, come La luce che manca.

Note del modello di redazione

Questo report è stato generato da un modello di intelligenza artificiale a partire da una trascrizione automatica dell’incontro del book club registrato. L’audio è stato trascritto automaticamente, e successivamente il report è stato generato utilizzando i dati della trascrizione. Il report è stato in seguito condiviso, per la revisione finale, con le persone presenti all’incontro e poi pubblicato sul blog dell’associazione neu [nòi] – spazio al lavoro.

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“È un libro devastante. Una sofferenza”. Così si è aperto il nostro ultimo incontro del book club di neu [nòi], dedicato alla lettura di Paolo Borsellino. Per amore della verità di Piero Melati. Una sofferenza che non nasce da un’invenzione narrativa, ma da un dolore reale, collettivo, ancora vivo. Più che un’analisi letteraria, è stato un confronto emotivo, generazionale, civile. Un dialogo che ha riportato alla luce ricordi personali, disillusioni, rabbia e domande ancora aperte.

Il libro ha toccato corde profonde, soprattutto in chi a Palermo c’era, ma anche in chi viveva altrove o non aveva ancora l’età per vivere quei fatti. È stato detto più volte: questa non è solo la storia di un magistrato ucciso dalla mafia, è la storia della città, è la nostra storia. “È come se fosse successa a me”, ha detto una persona, con la voce rotta. Per molti, leggere questo libro ha significato riaprire una ferita che sembrava cicatrizzata solo in apparenza.

C’eravamo anche noi: la memoria che non passa

Chi ha vissuto quei mesi in età adulta ha condiviso un senso di impotenza che ancora oggi pesa. La conferenza alla Biblioteca Comunale, quella in cui Borsellino sembrava salutare la città in anticipo, è tornata nei ricordi con un dolore lucido. “Lo sapevamo tutti che sarebbe successo, ed è come se non avessimo fatto niente”, ha detto una voce con amarezza. Un silenzio ha attraversato la stanza. Un altro intervento ha ricordato come la televisione avesse restituito una Palermo in guerra: i funerali di Stato, i cortei, la rabbia. Ma anche il senso che qualcosa si stesse perdendo per sempre.

Per chi era bambinə allora, il ricordo è fatto di immagini sfocate ma incancellabili. Una madre che piange davanti al TG, una domanda ingenua, una risposta che ancora oggi fa male: “È morto un uomo buono”.

Lo Stato contro lo Stato: il mistero dei depistaggi

Il libro ci sbatte in faccia una delle verità più amare: la lotta di Borsellino non era solo contro la mafia, ma anche contro pezzi dello Stato. Il mistero dell’agenda rossa, scomparsa dalla sua borsa insanguinata, è il simbolo di un depistaggio sistematico che tormenta la famiglia e il Paese da oltre trent’anni. Durante il dibattito è emerso lo sconcerto per i dettagli più inquietanti: i tentativi di pilotare le testimonianze dei familiari subito dopo la strage, le impronte digitali prese alla figlia sull’agenda, le carriere di funzionari coinvolti che sono proseguite indisturbate, fino a collegarsi ad altre pagine oscure della storia italiana come i fatti del G8 di Genova. Si delinea l’immagine di un “disastro investigativo” che, come ha notato qualcuno, sembra essere un tratto culturale ricorrente, dove l’incompetenza si mescola alla volontà di insabbiare per “non fare figure di merda”, distruggendo la verità e la vita delle persone.

Una tragedia nazionale, non un “problema siciliano”

Chi non viveva a Palermo ha raccontato di aver percepito l’attentato come un fatto grave ma distante, parte di un “problema siciliano”, spesso trattato con superficialità o paternalismo dai media del Nord. Ma questo libro – lo si è detto più volte – ha avuto la forza di ribaltare quella distanza. “Nessun altro testo mi aveva mai coinvolto così tanto”, ha raccontato un partecipante. “Leggendolo, ho sentito il bisogno fisico di abbracciare Fiammetta Borsellino”.

È emersa una connessione profonda non solo con la figura del magistrato, ma soprattutto con le persone sopravvissute: i figli, la moglie, i familiari lasciati soli in trent’anni di depistaggi e mancate verità.

Un libro sulla famiglia, prima di tutto

Molti degli interventi hanno evidenziato come il vero cuore del libro non sia solo Paolo Borsellino, ma la sua famiglia. I tre figli – Lucia, Manfredi e Fiammetta – attraversano tutto il testo con le loro voci, i loro ricordi, le loro lotte. Sono loro a restituire un ritratto intimo, quotidiano, disarmato del padre. E sono loro, ancora oggi, a chiedere verità. “È un libro sulla solitudine dei vivi, più che sulla morte di un eroe”, ha detto una persona. In trent’anni, ha ricordato un passaggio del libro, nessuna figura istituzionale ha chiesto scusa alla famiglia. Solo un mafioso l’ha fatto. È un dato che ha lasciato un silenzio pesante nel gruppo.

Paparcuri e l’antimafia che c’era

Tra le pagine più forti del libro ci sono le testimonianze di chi era accanto a Borsellino ogni giorno. Spicca quella di Angelo Corbo, agente della scorta, e soprattutto quella di Giuseppe Paparcuri, autista e sopravvissuto alla strage Chinnici. La sua figura, raccontata con grande sensibilità da Melati, è diventata per noi emblema di un’antimafia silenziosa e concreta. “Io non ho mai smesso di lavorare per loro due, per Falcone e Borsellino”, ha detto Paparcuri. Una frase che, riletta insieme, ci ha commossi profondamente.

La relazione tra Paparcuri e Falcone emerge come un legame quasi familiare, tenero, fatto di fiducia, stima, cura reciproca. In un contesto segnato da isolamento e sospetti, questa umanità ha scosso tuttə noi. È anche da queste figure minori, spesso dimenticate, che si comprende cosa fosse davvero l’antimafia di quegli anni.

Non chiamateli eroi

Uno dei fili rossi del confronto è stato il rifiuto della retorica degli “eroi”. Borsellino e Falcone vengono spesso santificati, ma questo libro li restituisce come uomini pieni di rigore, sì, ma anche di normalità. Borsellino che si arrabbia, che ride, che si prende cura degli altri, che scrive un biglietto al figlio per il suo compleanno, e poi va a indagare. “Non è un santo, non è un monumento”, ha detto una persona, “è un uomo che ha scelto di essere coerente”.

Molti hanno sottolineato come questa normalità, fatta di etica concreta, sia oggi forse il messaggio più radicale. 

Borsellino che si rende disponibile a testimoniare a favore un mafioso che sa di essere innocente per le accuse di quel processo. Borsellino che rifiuta scorciatoie. Borsellino che crede nella giustizia, non nel tifo. Un esempio altissimo, eppure umano.

Oggi? La lezione dimenticata

Quasi in chiusura la conversazione si è spostata sul presente. La sensazione condivisa è che la società attuale sia diventata più distratta, più cinica, più spettacolare. “Mentre facciamo il tifo da una parte o dall’altra, qualcuno maneggia”, è stato detto. La lezione di rigore, silenzio, ascolto e coraggio di Borsellino sembra oggi un’eco lontana, sepolta sotto le commemorazioni ufficiali e le polemiche social. Eppure è ancora lì, possibile, necessaria.

E domani? Custodire la memoria, praticare la verità

Il nostro incontro si è chiuso con una domanda semplice e bruciante: perché un libro così non è più conosciuto? Perché un testo che parla con così tanta onestà, senza retorica e senza filtri, di una delle figure più importanti della storia italiana recente, non ha avuto maggiore risonanza? La risposta non è chiara, ma riguarda certamente la fatica collettiva di affrontare le zone d’ombra, i compromessi, le solitudini scomode. Questo libro non rassicura, non semplifica, non celebra: e forse è proprio per questo che va letto.

Cosa potremmo fare noi, oggi, per onorare davvero l’esempio di chi ha scelto la verità, la coerenza, il servizio alla comunità?. Non con le parole, ma con i gesti. Cosa possiamo fare, nel nostro piccolo, per non delegare sempre ad altre persone la responsabilità di lottare contro l’ingiustizia, l’indifferenza, l’ipocrisia delle istituzioni?

Forse la risposta sta proprio nel modo in cui scegliamo di raccontare storie come questa. Nella scelta di leggerle, condividerle, discuterle, restituendo spessore umano a figure che troppo spesso diventano simboli muti. Forse il futuro comincia da qui: da una memoria che non si accontenta della celebrazione, e da un impegno quotidiano, silenzioso, ma tenace.

Opere e autori citati

• Libri:
  • Non chiamateli eroi di Nicola Gratteri e Antonio Nicaso
  • I 1000 morti di Palermo di Antonio Calabrò
  • Il piccolo libro della legalità di Geronimo Stilton, che contiene una lettera ai bambini di Manfredi Borsellino
  • Dalla parte sbagliata. La morte di Paolo Borsellino e i depistaggi di Via D’Amelio di Rosalba Di Gregorio e Dina Lauricella
  • Il contesto di Leonardo Sciacia
• Organizzazioni e movimenti:
  • Il giornale L’Ora di Palermo, fucina del giornalismo antimafia.
  • Addio Pizzo, movimento nato per contrastare il racket delle estorsioni.
• Figure:
  • Libero Grassi, imprenditore ucciso dalla mafia per essersi rifiutato di pagare il pizzo.
  • Nicola Gratteri, magistrato in prima linea nella lotta alla ‘ndrangheta.

Note del modello di redazione

Questo report è stato generato da un modello di intelligenza artificiale a partire da una trascrizione automatica dell’incontro del book club registrato. L’audio è stato trascritto automaticamente, e successivamente il report è stato generato utilizzando i dati della trascrizione. Il report è stato in seguito condiviso, per la revisione finale, con le persone presenti all’incontro e poi pubblicato sul blog dell’associazione neu [nòi] – spazio al lavoro.

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Un libro che ha diviso le sensibilità di chi lo ha letto, generando un confronto vivace, attraversato da risa sincere e riflessioni profonde. C’è chi ne ha amato la leggerezza intelligente, chi ne ha apprezzato lo sguardo sociale, chi invece ha sentito una certa stanchezza per le continue digressioni e per il tono a tratti autocompiaciuto del protagonista.

Un personaggio che resta addosso

Il centro indiscusso del libro è Vincenzo Malinconico, alter ego dell’autore e voce narrante costante. Un uomo che fatica a sentirsi all’altezza, eppure riesce, quasi per caso, a cavarsela. In lui si mescolano insicurezza e autoironia, pessimismo e una forma inedita di empatia verso il mondo.

Molte persone si sono riconosciute nei suoi flussi di coscienza e nella sindrome dell’impostore che lo accompagna. Un realismo a volte spiazzante, che fa sentire lettrici e lettori come se stessero spiando la vita vera di qualcuno, più che leggendo un romanzo.

Un libro “divisivo” per natura

Come molti testi che giocano sul filo dell’ironia, anche Non avevo capito niente sembra dividere: c’è chi lo ha divorato ridendo e chi, invece, ne ha faticato la lettura a causa di alcune scene datate o percepite come poco empatiche.

Alcuni episodi – come quello in cui Malinconico pedina una ragazza – sono stati riletti alla luce della sensibilità attuale e considerati “invecchiati male”. Ma proprio questa ambiguità, per altre persone, è una delle forze del libro: mostrare il disagio e l’inadeguatezza senza edulcorarli, mettendo in scena la complessità delle relazioni e degli sguardi.

Una comicità che nasconde profondità

Molte riflessioni hanno evidenziato la capacità del libro di alternare risate e amarezza, leggerezza e critica sociale. De Silva, pur raccontando uno studio legale con mobili Ikea e un protagonista in bilico tra fallimento e autoironia, riesce a toccare temi come il precariato, la mafia, l’ipocrisia dei grandi studi professionali, la sessualità, le maschere relazionali.

Dietro le battute e i dialoghi taglienti, emergono infatti discorsi che riguardano tutti: la dignità del lavoro, il bisogno di riconoscimento, l’inadeguatezza nelle relazioni, il valore delle emozioni.

Scrittura e digressione: vizio o virtù?

Una parte del gruppo ha amato lo stile frammentato e riflessivo di De Silva, paragonandolo a Pennac o ad alcuni autori britannici del realismo ironico. Altri hanno percepito le digressioni come eccessive, a volte slegate dalla trama e quasi autoreferenziali.

Eppure, anche per chi ha trovato difficile seguire ogni svolta mentale di Malinconico, è stato riconosciuto il merito dell’autore: dare voce a una mente vera, fatta di associazioni, deviazioni, ritorni.

Ritratto di un’epoca (non così lontana)

Molte persone hanno sottolineato come il libro restituisca con precisione l’atmosfera dei primi anni 2000, tra telefonini Nokia, pantaloni a vita bassa, De Filippi in tv e caffè arredati con gusto kitsch. Un vintage narrativo che non è solo nostalgia, ma anche documento sociale.

La figura di Malinconico, pur scritta quasi vent’anni fa, appare ancora attuale: un uomo che riflette troppo, che sbaglia i tempi, che si sente fuori posto. E che proprio per questo riesce a parlare a chi legge.

Un libro da rileggere? Da consigliare?

Il dibattito si è chiuso con posizioni diverse: per alcune persone è stato un libro irresistibile, tanto da voler proseguire con il resto della serie; per altre è stato una lettura faticosa, più interessante nei temi che nella forma.

Ma tutte e tutti hanno riconosciuto una cosa: Malinconico non si dimentica. Ti fa arrabbiare, ti fa sorridere, ti fa riflettere. E, quando chiudi il libro, un po’ ti manca.

Opere e autori citati

• Mia suocera beve e Sono contrario alle emozioni di Diego De Silva (prosecuzione di Non avevo capito niente)
  
• Il paradiso degli orchi e La fata carabina di Daniel Pennac ()
  
• L’allegria degli angoli di Marco Presta
  
• Alta infedeltà e Come diventare buoni di Nick Hornby
  
• David Foster Wallace

Note del modello di redazione

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La scrittrice, tra le prime donne a essere pubblicate nella prestigiosa collana della Pléiade, impiegò quasi trent’anni per portare a compimento quest’opera, nata come dialogo e diventata con il tempo un lungo monologo epistolare dell’imperatore Adriano al giovane Marco Aurelio. Un testo che non si lascia afferrare con leggerezza, ma che invita a una lettura lenta, riflessiva, capace di abitare lo spazio interiore tanto quanto quello dell’antica Roma.

Storia, finzione, memoria

Una parte del confronto si è soffermata sull’imponente lavoro di documentazione che regge l’opera: Yourcenar studiò fonti storiche e testi classici per restituire un ritratto credibile, seppur filtrato dalla finzione letteraria. Alcune persone hanno espresso grande ammirazione per la capacità dell’autrice di restituire la complessità del personaggio storico senza sacrificare la profondità umana.

E proprio questo tentativo di costruire un personaggio universale, più che verosimile, ha aperto una riflessione: è possibile raccontare l’intimità di un uomo di potere senza tradire l’umanità? C’è chi ha colto in Adriano un saggio moderno, riflessivo, consapevole dei propri limiti; e chi, invece, ha faticato a percepirne l’umanità dietro il filtro stilistico, trovando il testo troppo denso, affettato, intellettuale.

Alcune persone hanno espresso la sensazione che la vera protagonista del libro fosse in realtà l’autrice stessa. In molti momenti, la voce di Yourcenar sembra emergere con maggiore chiarezza di quella dell’imperatore: più che “vedere” Adriano, si ha l’impressione di vedere l’autrice al lavoro, intenta a scolpire frasi perfette, a dimostrare un rigore intellettuale, a costruire un’idea di saggezza più che a raccontare una persona viva. Questo ha generato una distanza che, per alcuni, ha reso difficile l’identificazione emotiva col protagonista.

Forma e sostanza: la lettera come spazio narrativo

Il genere epistolare scelto da Yourcenar ha diviso le opinioni. Alcuni lo hanno trovato potente, capace di restituire uno sguardo interiore e meditativo, dove ogni frase ha il peso di un bilancio esistenziale. Altri hanno percepito questa scelta come una gabbia, un vincolo che irrigidisce la narrazione e inibisce la possibilità di “vedere” i luoghi, le persone, le azioni.

La sensazione condivisa da diverse voci è che il libro richieda al lettore un livello di attenzione e concentrazione insolito, con paragrafi densi come aforismi, più da meditare che da divorare. Per alcuni, questa densità è parte della sua bellezza. Per altri, rappresenta una barriera all’empatia.

Una voce in particolare ha sottolineato come la forma della lunga lettera, lungi dal rendere il testo più intimo, finisca per togliere naturalezza e immediatezza alla narrazione. L’impressione era quella di leggere un lungo esercizio letterario, stilisticamente impeccabile ma emotivamente distante, privo di quelle imperfezioni che rendono un personaggio più vicino, più credibile, più umano.

Adriano, Antinoo e le ombre dell’amore

Uno dei temi più discussi è stato il rapporto tra Adriano e Antinoo: una storia che si muove tra affetto, idealizzazione, perdita e memoria. Il legame viene raccontato con distacco e misura, suscitando interrogativi sul punto di vista adottato dall’autrice: è la voce dell’imperatore a mantenere le distanze o è la penna dell’autrice che vela, trattiene, razionalizza?

Alcune persone hanno letto in quel rapporto la proiezione della stessa Yourcenar, che visse una lunga relazione con un’altra donna e fu tra le prime autrici a parlare apertamente di omosessualità. In molti hanno avvertito il riflesso dell’autrice nel modo in cui Adriano osserva il mondo, come se, in filigrana, parlasse più di sé che del suo personaggio.

Politica, costruzione, decadenza

Le riflessioni nate attorno al potere sono state molteplici. C’è chi ha sottolineato la modernità del pensiero di Adriano sul senso del limite, la condanna all’espansione perpetua, il rifiuto della guerra. Adriano è apparso come una figura tormentata ma etica, impegnata a costruire, a lasciare tracce tangibili del proprio passaggio.

La sua visione è quella di un giardiniere dell’impero più che di un conquistatore. Ma non tutti hanno apprezzato le lunghe dissertazioni politiche del testo, in alcuni casi percepite come dispersive, a scapito di un coinvolgimento emotivo più immediato.

Un libro da rileggere?

Il gruppo si è diviso anche sulla domanda implicita: è un libro da consigliare? Da leggere oggi? Alcuni lo considerano un testo imprescindibile, da leggere più volte nella vita, capace di cambiare significato con l’età e le esperienze. Altri hanno confessato di non essere riusciti a finirlo o di essersi sentiti esclusi dal linguaggio eccessivamente elaborato.

Eppure, proprio queste divergenze hanno acceso il confronto più profondo: che cos’è che rende un libro un classico? Il suo stile? La sua voce? Il dialogo che continua a generare, anche tra chi lo discute più che tra chi lo legge?

Opere e autori citati

• La morte a Venezia di Thomas Mann
  
• Cassandra di Christa Wolf
  
• Il nome della rosa di Umberto Eco
  

Note del modello di redazione

Questo report è stato generato da un modello di intelligenza artificiale a partire da una trascrizione automatica dell’incontro del book club registrato. L’audio è stato trascritto automaticamente, e successivamente il report è stato generato utilizzando i dati della trascrizione. Il report è stato in seguito condiviso, per la revisione finale, con le persone presenti all’incontro e poi pubblicato sul blog dell’associazione neu [nòi] – spazio al lavoro.

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Nel nostro ultimo incontro del book club di neu [nòi] abbiamo discusso di Persepolis, l’opera autobiografica di Marjane Satrapi che ha segnato la storia della graphic novel e della narrazione di memoria. Questo libro, pubblicato in Francia nel 2000 e arrivato in Italia nella versione integrale nel 2007, è molto più di un romanzo a fumetti: è un racconto di formazione, un documento storico, una testimonianza intima e politica.

Nel dibattito sono emerse molteplici chiavi di lettura: la ribellione e la ricerca della libertà, il senso di appartenenza e spaesamento, il potere della memoria e l’empatia nel riconoscere un’umanità comune, al di là delle frontiere geografiche e culturali.

Una Storia di Formazione tra Due Mondi

Persepolis segue la crescita di Marjane, nata nel 1969 in una famiglia progressista e benestante di Teheran, in un periodo di grandi cambiamenti per l’Iran. Attraverso i suoi occhi da bambina e poi da giovane donna, il lettore attraversa la rivoluzione islamica, la repressione del regime teocratico, la guerra Iran-Iraq e infine l’esperienza della migrazione e del ritorno.

Uno degli aspetti più discussi durante l’incontro è stato il contrasto tra il desiderio di ribellione e il bisogno di appartenere. Da piccola, Marjane assorbe l’educazione illuminata dei genitori e le idee rivoluzionarie della famiglia. Crescendo, però, si trova a scontrarsi con le contraddizioni della sua realtà: da un lato la resistenza al regime, dall’altro il conformismo della ribellione adolescenziale. In Austria, dove viene mandata per studiare e allontanarsi dal pericolo, si scontra con una libertà che non riesce a sentire propria. Tornare in Iran la fa sentire di nuovo fuori posto, bloccata tra due mondi senza appartenere davvero a nessuno dei due.

Il Potere della Memoria e la Storia Incisa nell’Identità

Un tema centrale del libro è il legame tra memoria e identità. La storia di Marjane è profondamente radicata nella Storia del suo paese, e il modo in cui la racconta diventa uno strumento di resistenza. Molti partecipanti al dibattito hanno sottolineato come il ricordo e il racconto siano potenti strumenti di affermazione personale e collettiva.

La scelta del titolo Persepolis non è casuale: rimanda alla grandiosità dell’antica Persia, prima della Repubblica Islamica, suggerendo una continuità storica che va oltre il regime politico attuale. Satrapi costruisce una narrazione che non vuole solo documentare il passato, ma anche preservare una cultura che rischia di essere cancellata o distorta.

Le scene di Persepolis mostrano il ruolo della memoria nel quotidiano: dai murales dei martiri nelle strade di Teheran alle conversazioni familiari che tengono viva la consapevolezza di un passato represso. Il dibattito ha toccato il tema di come la memoria possa essere un’ancora per chi è costretto a lasciare il proprio paese, ma anche un peso che rende impossibile sentirsi davvero “a casa” altrove.

Ribellione e Libertà: Oltre i Segni Esteriori

Uno degli aspetti più affascinanti del personaggio di Marjane è il suo continuo oscillare tra ribellione e adattamento. La sua lotta non è solo politica, ma anche profondamente personale.

La discussione si è soffermata sulla differenza tra una ribellione estetica e una ribellione interiore. Marjane deride le coetanee che credono di sfidare il sistema semplicemente truccandosi sotto il velo, ma anche lei si scontra con le contraddizioni della trasgressione. In Austria sperimenta il punk, la libertà sessuale e l’uso di droghe, ma si accorge che queste esperienze non la rendono più libera. La vera ribellione, come ha sottolineato qualcuno nel dibattito, è nel mantenere la propria coerenza interiore nonostante le pressioni sociali.

Satrapi racconta senza filtri anche i momenti in cui ha tradito questa coerenza. Una delle scene più discusse è quella in cui, per salvarsi, accusa ingiustamente un uomo innocente. Qui il libro pone una domanda difficile: quanto è facile mantenere la propria integrità quando si è sotto pressione? Il dibattito si è allargato a questioni più generali sulla giustificazione dei mezzi per raggiungere un fine, evocando anche riferimenti a Fabrizio De André e alla sua poetica sulla giustizia “al di fuori della legge”.

Il fine giustifica i mezzi? La strumentalizzazione della realtà

Uno degli spunti più dibattuti durante l’incontro è stato il modo in cui Persepolis mette in luce la tendenza delle ideologie—rivoluzionarie o repressive—ad adattare la realtà alle proprie esigenze. Il caso più emblematico è l’episodio del vicino di casa, morto di cancro, che viene trasformato in un martire della rivoluzione per rafforzare la narrazione ufficiale. Un esempio che ha suscitato reazioni contrastanti tra i partecipanti: da un lato, la facilità con cui la propaganda rielabora la verità è sconcertante, dall’altro si tratta di una dinamica storicamente ricorrente, presente in molti contesti politici e culturali.

Questa ambiguità ritorna nel corso del libro, ponendo interrogativi su quanto il contesto possa spingere le persone a compromessi morali. Il caso di Marjane che, per salvarsi, accusa ingiustamente un passante, è stato uno dei più discussi: per alcuni è un gesto inevitabile dettato dall’istinto di sopravvivenza, per altri rappresenta il segnale più chiaro di come la paura possa spingere a sacrificare i propri principi.

L’uso della menzogna—volontaria o imposta—diventa quindi un elemento chiave nella narrazione di Satrapi: che si tratti di un regime che riscrive la storia o di una bambina che impara a dire ciò che conviene per evitare guai, Persepolis mostra come la verità sia spesso una costruzione modellata dal potere e dalla necessità. Una riflessione che ha trovato ampi paralleli con altre opere e contesti storici, ampliando il dibattito oltre le pagine del libro.

Empatia e Universalità dell’Esperienza Umana

Uno degli aspetti più potenti di Persepolis, emerso chiaramente nella discussione, è la capacità di Satrapi di raccontare la sua storia in un modo che risuona con chiunque.

Mentre una prima lettura può far emergere soprattutto le differenze culturali e politiche tra l’Iran e l’Occidente, una rilettura più attenta mostra invece la profondissima umanità del racconto. La paura, il senso di perdita, la ricerca di un posto nel mondo sono esperienze che accomunano tutti.

Questo ha portato a una riflessione più ampia: se si guarda abbastanza da vicino, ogni storia è una storia universale. La vita di Marjane è segnata da eventi straordinari – guerra, migrazione, repressione – ma anche da sentimenti e scelte che ogni persona può riconoscere: il bisogno di affermare la propria identità, le difficoltà nei rapporti familiari, il senso di spaesamento in un mondo che cambia.

Il Linguaggio Grafico e la Forza delle Immagini

Il tratto essenziale e monocromatico di Satrapi ha diviso i partecipanti al dibattito. Alcuni lo hanno trovato spoglio, quasi rozzo, mentre altri hanno sottolineato come questa scelta stilistica amplifichi l’impatto emotivo del racconto.

L’uso del bianco e nero, con grandi campiture nere nei momenti più drammatici, trasforma le immagini in un linguaggio universale, capace di evocare emozioni profonde senza bisogno di realismo dettagliato. Alcuni partecipanti hanno notato l’influenza della calligrafia mediorientale nella composizione delle tavole, sottolineando come il disegno di Satrapi sia più evocativo che tecnicamente raffinato.

La graphic novel è stata anche occasione per parlare del valore del fumetto come strumento di narrazione complessa. Alcuni hanno espresso perplessità su Persepolis come fumetto, vedendolo più vicino alla letteratura, mentre altri hanno sottolineato la potenza del linguaggio visivo nel trasmettere emozioni e concetti con immediatezza.

Altri Autori e Opere Citati

Durante il dibattito sono stati menzionati altri autori e opere che hanno arricchito la conversazione:

• Fabrizio De André, in particolare La storia dell’impiegato, per il suo modo di raccontare la giustizia e la ribellione fuori dagli schemi.
• Dylan Dog, Calvin & Hobbes, Peanuts, come esempi di fumetti che, pur con toni diversi, affrontano tematiche profonde.
• Riad Sattouf, con L’Arabo del futuro, altra graphic novel che esplora l’identità e la memoria attraverso il racconto dell’infanzia.

Conclusione

Persepolis è un libro che continua a colpire, anche a distanza di anni dalla prima lettura. La sua forza sta nel raccontare la complessità dell’identità e della libertà con schiettezza e ironia, senza nascondere le contraddizioni e le fragilità della protagonista.

Nel nostro incontro, il libro è stato una lente attraverso cui guardare anche le nostre esperienze: la ricerca di un posto nel mondo, il legame con le nostre radici e la difficoltà di mantenere una coerenza interiore in un mondo che cambia.

Un libro da leggere, rileggere e discutere, perché, come tutte le storie più potenti, non smette mai di porre domande.

Note del modello di redazione

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L’incontro del Book Club neu [nòi] dedicato a L’Africa non è un paese di Dipo Faloyin ha offerto uno spazio di confronto intenso e ricco di spunti. Il libro, con il suo approccio ironico e provocatorio, scardina i pregiudizi che riducono l’Africa a un insieme indistinto di povertà, conflitti e safari. Durante la serata, i partecipanti hanno riflettuto su temi chiave come la narrazione mediatica, il ruolo dei libri di testo occidentali, l’appropriazione culturale e il peso degli stereotipi nella costruzione dell’identità africana. Tra i tanti spunti emersi, una frase ha riassunto l’essenza del dibattito: “Un libro necessario”.

Un continente o un blocco unico?

Uno dei temi centrali della discussione è stata la critica di Faloyin alla visione dell’Africa come un unico Paese. Questa percezione, ancora diffusa nei media e nel linguaggio comune, ignora la diversità culturale, linguistica e storica delle 54 nazioni africane. I partecipanti hanno riflettuto su come questa semplificazione derivi da una narrazione coloniale che, durante la Conferenza di Berlino del 1884, ha tracciato confini artificiali senza alcuna considerazione per le realtà locali.
Un esempio significativo emerso dal dibattito è stato l’uso generico del termine “Africa” rispetto alla specificità riservata ad altri continenti. Come ha osservato un partecipante: “Nessuno direbbe ‘l’Europa’ per parlare della Francia, ma per l’Africa lo facciamo senza pensarci. Eppure è un continente con miliardi di persone e centinaia di lingue”.
Durante l’incontro, è stato citato l’impatto della suddivisione dei regni precoloniali: “Immaginare la freddezza con cui, durante la Conferenza di Berlino, si è svegliato il cancelliere e ha detto: ‘Ma io non sto prendendo niente? Facciamo una festicciola e ci spartiamo un Paese’”.

Il ruolo della scuola e dei media

La discussione ha evidenziato come i libri di scuola occidentali contribuiscano ad una rappresentazione limitata dell’Africa. Molti testi si concentrano sul colonialismo, trascurando intere epoche precoloniali ricche di innovazione e cultura, come il Regno di Kush e l’Impero del Mali. Un partecipante ha ricordato: “A scuola studiavamo la Conferenza di Berlino, ma non la négritude o le regine guerriere come Nzinga Mbande”.
I media, dal canto loro, giocano un ruolo cruciale nel perpetuare immagini stereotipate. Durante il dibattito è stato citato un esempio emblematico: la ricorrente rappresentazione di un’Africa “affamata” e in perenne emergenza. “I media mostrano bambini denutriti circondati da mosche, ma non parlano di Nollywood o del riso jollof”, ha sottolineato qualcuno.

Donne africane e decolonizzazione del femminismo

Un tema trasversale è stato il ruolo delle donne nella ridefinizione dell’identità africana. Faloyin dedica spazio alle associazioni femministe e al recupero di figure storiche come Amina di Zaria (regina guerriera nigeriana) o le Amazzoni del Dahomey. Una partecipante ha commentato: “Le donne africane stanno riscrivendo la loro storia, recuperando esempi di leadership femminile che il colonialismo ha cercato di cancellare”.
Il dibattito ha anche toccato la complessità del termine “femminismo” in Africa. In alcuni contesti, è stato sostituito da concetti come “umanismo” o “madurismo”, per sottolineare una visione radicata nella cultura locale. “Il femminismo occidentale non basta: dobbiamo ascoltare chi vive queste realtà”, ha aggiunto un’altra voce.

Musei e restituzione culturale

Il tema dell’appropriazione culturale ha toccato un nervo scoperto. Durante il dibattito è emerso l’esempio del Louvre, definito da un partecipante “un museo universale solo per chi può permettersi il biglietto”. Molte opere africane giacciono nei magazzini, non catalogate, mentre i Paesi di origine ne rivendicano la restituzione. “Privarli di queste opere significa privarli della loro identità”, ha osservato qualcuno, criticando la retorica occidentale che dipinge i musei come “custodi” di un patrimonio che invece é stato sottratto con la forza.
La storica dell’arte Bénédicte Savoy, citata durante l’incontro, è stata ricordata per il suo lavoro sulla restituzione delle opere trafugate, definita “un atto di giustizia, non di carità”.

Stereotipi e auto-rappresentazione

Un argomento particolarmente sentito è stato il peso degli stereotipi nella costruzione dell’identità africana. Nel dibattito si è discusso di come molti africani, specialmente quelli emigrati in Occidente, adottino immagini stereotipate del continente per adattarsi alle aspettative esterne. “Alcuni miei clienti ghanesi usano foto sterotipate dell’Africa con le classiche donne a seno nudo in vestiti tribali per pubblicizzare attività in Europa: è un cortocircuito identitario”, ha raccontato un partecipante.
Il gruppo ha riflettuto su come le diaspore africane possano giocare un ruolo cruciale nella creazione di nuove narrazioni, valorizzando la ricchezza culturale e sfidando i cliché.

Un libro necessario

Uno dei punti su cui molti partecipanti si sono trovati d’accordo è che L’Africa non è un paese è “un libro necessario”. Questa affermazione non si riferisce solo al contenuto, ma alla funzione stessa che il libro svolge: rompere con una visione stereotipata e promuovere un dialogo critico. La capacità di Faloyin di mescolare ironia e analisi rende il libro accessibile a un pubblico ampio.
Tuttavia, alcuni hanno sottolineato limiti: “Il tono sarcastico ogni tanto dà fastidio: sembra che Faloyin abbia una predisposizione contro l’uomo bianco, quasi volesse ribaltare gli stereotipi senza offrire alternative”. Altri hanno criticato la predominanza dell’Africa anglofona: “Si parla poco del Mali o del Burkina Faso, dove il colonialismo francese ha lasciato cicatrici diverse”.

Decolonizzare il linguaggio: oltre il Nord e il Sud del mondo

Il dibattito ha affrontato l’importanza di ripensare il lessico. Un partecipante ha proposto: “Parlare di ‘Nord e Sud globale’ è meno carico di giudizio, ma dobbiamo ancora lavorare per superare l’abitudine di definire l’Africa come un blocco”.
L’autore nigeriano Chinua Achebe (Il crollo) e lo studioso Achille Mbembe (Critica della ragione negra) sono stati citati come modelli per una narrazione “decolonizzata”, che rifiuti etichette imposte dall’esterno.

Conclusioni: un invito a cambiare prospettiva

L’Africa non è un paese ha offerto al Book Club neu [nòi] l’occasione per esplorare temi di grande rilevanza, mettendo in discussione le narrazioni dominanti. Come ha sintetizzato un partecipante: “Questo libro mi ha fatto sentire inadeguato, ma grato. Ora cerco di non dire più ‘l’Africa’, ma ‘il Ghana’, ‘il Senegal’, ‘il Kenya’”.
Il libro di Faloyin non è una risposta definitiva, ma un punto di partenza per chiunque voglia sfidare i propri pregiudizi e approfondire la conoscenza del continente.

Opere e autori citati durante l’incontro

• Ngũgĩ wa Thiong’o, Decolonizzare la mente (Decolonising the Mind, 1986).
• Chinua Achebe, Il crollo (1958).
• Ryszard Kapuściński, Ebano (1998).
• Bénédicte Savoy, Africane Restitutions (focus sul saccheggio coloniale delle opere d’arte).
• Achille Mbembe, Critica della ragione negra (2013).

TED Talk di Ernesto Sirolli, “Shut up and listen” (2012), citato per il metodo di cooperazione basato sull’ascolto.

Note del modello di redazione

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Il 29 novembre, il Book Club neu [nòi] ha ospitato un appassionante confronto su La sposa normanna di Carla Maria Russo. Questo romanzo storico, che racconta la vita di Costanza d’Altavilla, regina di Sicilia e madre di Federico II, ha dato vita a un dibattito ricco di spunti: dalla rappresentazione delle donne nel Medioevo al rapporto tra Storia e narrazione, fino al ruolo del romanzo storico nella divulgazione. In questo report esploreremo i temi principali discussi, le criticità emerse e i riferimenti citati, concludendo con un elenco delle opere menzionate.

Chi è Carla Maria Russo?

Carla Maria Russo è un’autrice italiana nota per la sua produzione di romanzi storici, tra cui La bastarda degli Sforza e L’acquaiola. Specializzata in figure femminili del passato, si distingue per uno stile narrativo accessibile, che coniuga ricostruzione storica e libertà creativa. La sposa normanna, pubblicato per la prima volta vent’anni fa, è uno dei suoi maggiori successi ed è tuttora tra i titoli più letti nel genere storico.

La trama: Costanza d’Altavilla e il peso del potere

Il romanzo racconta la vita di Costanza d’Altavilla, l’ultima discendente dei normanni in Sicilia. Costanza viene ritratta come una figura forte e resiliente, capace di navigare le difficoltà di un mondo dominato dagli uomini. Tra matrimoni strategici e complotti politici, il libro esplora le dinamiche di potere e il sacrificio personale richiesto a una donna per mantenere il suo ruolo nella Storia.

Un tema ricorrente è la complessità della relazione tra Costanza ed Enrico VI, suo marito, ritratto come un personaggio spietato e instabile. Tuttavia, alcune partecipanti hanno sottolineato come i personaggi risultino spesso troppo simbolici e privi di una vera evoluzione psicologica.

Criticità emerse nel confronto

Durante il dibattito, non sono mancate critiche all’opera. Una parte del gruppo ha rilevato alcune debolezze narrative e storiche:

1. Personaggi piatti: Molti hanno trovato i personaggi poco sfaccettati. Costanza, pur ritratta come una donna forte, appare più come un simbolo che una figura tridimensionale. Anche Enrico VI viene descritto in modo caricaturale, privo di evoluzione psicologica.
2. Incongruenze storiche: Gli episodi chiave del romanzo, come la monacazione di Costanza e la nascita pubblica di Federico II, sono stati criticati per la loro dubbia veridicità. Lo storico Pasquale Hamel, citato nel confronto, ha definito questi eventi come costruzioni narrative prive di fondamento documentale.
3. Semplificazione tematica: Alcuni hanno percepito il romanzo come eccessivamente scorrevole, sacrificando la complessità dei temi trattati per favorire una lettura più accessibile. Questo ha portato a paragoni con opere di autori come Maria Bellonci, che invece coniugano rigore storico e profondità narrativa.

Romanzo storico: tra verità e invenzione

Un aspetto centrale del dibattito è stato il rapporto tra Storia e narrativa. Il romanzo è stato confrontato con opere di autori come Maria Bellonci e Valerio Massimo Manfredi, evidenziando approcci diversi: dal rigore documentaristico della prima alla maggiore libertà narrativa del secondo.

Nel corso dell’incontro, è stato citato il libro “Costanza d’Altavilla” di Pasquale Hamel, che contesta due episodi narrati da Carla Maria Russo:

• La monacazione di Costanza, ritenuta improbabile per l’assenza di documenti storici che la confermino.
• La nascita pubblica di Federico II, descritta nel romanzo come un evento teatrale ma non supportata da fonti storiche.

Questi elementi hanno sollevato interrogativi sull’etica della narrazione storica e su quanto il romanzo storico possa sacrificare la verità per esigenze narrative.

La figura femminile nel Medioevo

Un altro tema discusso è stato il ruolo delle donne nel Medioevo. Il romanzo pone l’accento sul coraggio e sulla determinazione di Costanza, che sfida i limiti imposti dalla società dell’epoca. Tuttavia, è emerso come il personaggio, pur affascinante, risulti a tratti monodimensionale, lasciando poco spazio alla complessità emotiva e psicologica che ci si aspetterebbe da una figura storica così rilevante.

Conclusioni

La sposa normanna ha diviso i partecipanti tra chi ha apprezzato la sua capacità di avvicinare il grande pubblico alla Storia e chi ne ha criticato la superficialità nella ricostruzione dei personaggi e dei fatti. L’incontro ha confermato quanto il romanzo storico sia un genere in grado di stimolare riflessioni profonde, non solo sul passato, ma anche sul nostro rapporto con esso.

Opere e autori citati durante l’incontro

• Maria Bellonci (Lucrezia Borgia, Rinascimento privato)
• Valerio Massimo Manfredi (Alexandros, Il mio nome è Nessuno)
• Umberto Eco (Il nome della rosa)
• Alessandro Barbero (Dante)
• Pasquale Hamel (Costanza d’Altavilla)

Note del modello di redazione

Questo report è stato generato da un modello di intelligenza artificiale a partire da una trascrizione automatica dell’incontro del book club registrato. L’audio è stato trascritto automaticamente, e successivamente il report è stato generato utilizzando i dati della trascrizione. Il report è stato in seguito condiviso, per la revisione finale, con le persone presenti all’incontro e poi pubblicato sul blog dell’associazione neu [nòi] – spazio al lavoro.

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All’ultimo incontro del book club di neu [nòi], il tema della morte digitale è stato affrontato attraverso le pagine del libro La morte si fa social di Davide Sisto. Questo testo ha suscitato un acceso dibattito, toccando questioni che spaziano dall’immortalità virtuale al senso della memoria collettiva, dall’autenticità delle relazioni digitali fino ai confini tra realtà e percezione.

Il lutto digitale: tra collettività e intimità

La discussione si è aperta con una riflessione sul modo in cui la morte viene vissuta e rappresentata sui social network. Alcuni partecipanti hanno descritto la loro difficoltà nel confrontarsi con manifestazioni pubbliche di lutto online, percependole come una forzatura rispetto all’intimità del dolore, considerando comunque che la difficoltà di fronte a manifestazioni di lutto online vada di pari passo con la difficoltà nell’affrontare il tema della morte in generale.
Tuttavia, altri hanno evidenziato come questi spazi digitali offrano una nuova ritualità collettiva, un luogo virtuale dove amici e familiari possono condividere il ricordo dei propri cari, superando le barriere geografiche e culturali. Questa pratica, secondo alcuni, rappresenta un parallelo moderno degli antichi rituali funerari, ma adattato a un contesto virtuale e globale.

L’immortalità virtuale: tra conforto e inquietudine

Uno dei temi centrali del libro e della discussione è stato il concetto di “immortalità digitale”, ovvero la possibilità che una persona continui a esistere online anche dopo la sua morte. Questa presenza, che può essere mantenuta attraverso profili social o addirittura replicata tramite intelligenza artificiale, ha sollevato reazioni contrastanti. Alcuni hanno trovato conforto nell’idea di preservare una memoria duratura dei propri cari, mentre altri si sono detti turbati dalla possibilità di “vivere per sempre” in una forma digitale. In particolare, l’idea di avatar e chatbot che simulano le persone scomparse ha generato un acceso dibattito sull’autenticità di tali interazioni e sull’impatto che potrebbero avere sull’elaborazione del lutto.

Realtà e percezione: il confine sottile tra fisico e virtuale

Un tema che ha appassionato i partecipanti è stato quello del confine tra realtà fisica e virtuale. Alcuni hanno citato esperienze personali di realtà immersiva, come l’uso di visori VR, per dimostrare quanto il nostro cervello possa essere facilmente ingannato dalle tecnologie avanzate. La discussione ha toccato anche le implicazioni di questi sviluppi tecnologici, interrogandosi su quanto la percezione della realtà possa essere manipolata e su come questo influenzi la nostra comprensione del mondo. La conversazione si è spinta fino a speculare su un futuro in cui la realtà virtuale potrebbe diventare indistinguibile da quella fisica, sollevando domande etiche e filosofiche.

Memoria e diritto all’oblio: cosa vogliamo lasciare di noi?

La discussione ha poi toccato il tema della memoria e del diritto all’oblio digitale. Con una crescente quantità di dati personali che ognuno di noi lascia online, il concetto di eredità digitale diventa sempre più rilevante. Alcuni partecipanti hanno espresso il desiderio di poter controllare il proprio “testamento digitale”, decidendo quali contenuti lasciare e quali cancellare. È emersa anche la questione del controllo post-mortem dei profili social: se i social network non moriranno con noi, cosa succederà ai nostri dati e alla nostra presenza online? La necessità di un maggiore controllo sulla propria immagine pubblica e privata dopo la morte è stata un punto di forte interesse.

L’intelligenza artificiale e il desiderio di eternità

Un tema centrale del libro è stato l’uso dell’intelligenza artificiale per “resuscitare” persone scomparse, come nel caso del chatbot creato da Eugenia Kuyda basato sulle conversazioni di un amico defunto. Questo concetto ha stimolato riflessioni profonde: alcuni lo hanno percepito come una forma di elaborazione del lutto, mentre altri hanno visto in queste pratiche una deriva inquietante. Un partecipante ha ricordato l’episodio Be Right Back della serie Black Mirror, in cui una donna crea un avatar del marito defunto, ponendo interrogativi sul rischio di distorcere la nostra percezione delle persone amate, riducendole a versioni artificiali progettate per soddisfare il nostro bisogno di presenza.

Realtà e proiezioni mentali: il potere della suggestione

Durante l’incontro, è emersa un’interessante digressione sul potere della mente di creare realtà alternative attraverso la suggestione. Sono stati citati casi di persone che hanno sviluppato falsi ricordi su eventi traumatici vissuti solo indirettamente, come l’attacco alle Torri Gemelle, e che sono riuscite a convincersi di essere state presenti fisicamente. Questo fenomeno ha portato a una discussione sulla capacità della mente umana di distorcere la percezione della realtà, un aspetto che si lega anche all’uso della realtà virtuale per esperienze immersive. Secondo alcuni partecipanti, la virtualità potrebbe rappresentare non solo un’estensione della realtà fisica, ma addirittura un nuovo modo di viverla e manipolarla.

La filosofia della morte: tra ritualità antiche e modernità digitale

Nel corso della discussione, alcuni partecipanti hanno fatto riferimento a pratiche funerarie antiche, notando come la nostra cultura moderna abbia teso a isolare il rito funebre e a relegare il lutto a una sfera privata. È stato notato come la dimensione digitale offra una nuova forma di collettivizzazione del lutto, che richiama i riti sociali del passato, ma in chiave tecnologica e globale. Inoltre, alcuni hanno sottolineato l’importanza di sviluppare nuovi codici e rituali per affrontare la morte nel contesto digitale, in modo da dare significato e dignità a una pratica che coinvolge inevitabilmente tutti noi.

Conclusione: Siamo pronti per una “morte virtuale”?

L’incontro si è concluso con una serie di domande aperte che riflettono i dilemmi etici e filosofici sollevati dal libro di Sisto. Se da un lato la tecnologia offre nuovi modi per affrontare il lutto e mantenere viva la memoria dei nostri cari, dall’altro rischia di ridurre le relazioni umane a interazioni superficiali, replicabili all’infinito. Alla fine, siamo disposti ad accettare la possibilità di una vita (e una morte) in un mondo dove l’identità digitale potrebbe sopravvivere indefinitamente? La risposta, forse, è un viaggio personale e collettivo, che ciascuno di noi dovrà affrontare nell’epoca della digitalizzazione della memoria.

Opere e autori citati

1. Davide Sisto – La morte si fa social
2. Eugenia Kuyda – chatbot commemorativo di Roman Mazurenko
3. Episodi di Black Mirror – Be Right Back
4. Film e serie TV – La corrispondenza di Giuseppe Tornatore,  Ghost Whisperer e Matrix
5. Teorie sulla percezione della realtà e memoria collettiva
6. Riti funerari antichi – confronto tra ritualità passate e moderne
7. Psicologia della memoria – falsi ricordi e suggestione

Note del modello di redazione

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